Viernes, medianoche, la Ciudad de México se convierte en una plataforma espacial para que マクロスMACROSS 82-99 pilotee su nave e inicie su setlist que llevará por los lugares más recónditos del universo a cientos de asistentes que acudieron a verlo.
Luces neón multicolor, imágenes de la cultura pop de la década de los noventas, así como beats pegajosos y alegres, con un toque de funk japonés, se encuentran presentes en todo momento, durante el vuelo en el que los pasajeros, simplemente, bailan al ritmo de future funk, este género musical que tuvo sus inicios en Internet y, a la fecha, ha ganado popularidad.
Hoy Novedades tuvo una charla con Macross ―tras su presentación en su tierra natal: la caótica CDMX―, en la que narró algunas de sus bitácoras espaciales, durante su trayectoria como uno de los mejores pilotos del género.
A continuación, la primera parte de la entrevista realizada a uno de los DJs y productores con mayor proyección en Internet en uno de los géneros musicales favoritos de la comunidad geek.
¿Por qué Macross y por qué los números?
Macross es por una serie de televisión en los ochentas ―Robotech―, pero más que sacarlo por parte del anime: había un videojuego inspirado en la animación japonesa que era de puras batallas de mechas (robots), Macross Plus; entonces, cuando estaba buscando un nombre, fue realmente lo que se me ocurrió. Tenía la imagen de Japón y quería plasmar algo que nos llevara hacia la tecnología y ese tipo de cosas; se me ocurrió eso de Macross Plus. Estaba buscando algo más, porque, en ese momento, el estilo de nombres que estaban en la escena llevaban números o kanjis japoneses, y busqué un poco sobre la serie y (la historia) transcurre en el año 1999, pero fue creada en 1982; entonces dije: ‹82-99›.
Tienes varios EPs como Sailorwave I y Sailorwave II, tu inspiración vino evidentemente de Sailor Moon. ¿Cómo es que se dio tu gusto por Sailor Moon o por el género de las chicas mágicas?
Sí, así es… Pues es realmente muy extraño. De niño no veía Sailor Moon cuando se transmitía en cadena nacional, sino de repente, con mi hermana, dijimos: «―Nunca hemos visto Sailor Moon. ―Pues, estaría bien. ―No sé ni de qué se trata. ―Vamos a verla». Ese fue justo el momento en el que yo estaba empezando a hacer música como Macross, empecé a ver Sailor Moon, vi la primera temporada completa y dije: «¡Wow!, esto es lo más increíble que he visto en mi vida, o sea, el tipo de música que quiero hacer, la ambientación de esta serie». Entonces, conforme iba viendo la serie, empecé a producir el primer Sailorwave y, justamente, con eso en mente quería que la música pasara por los escenarios, que estuviera ahí dentro (de la serie). El nombre sólo se me ocurrió: está inspirado en Sailor Moon y estamos en la época del vaporwave, eso es todo, Sailorwave.
Y creo que es la primera vez que lo vi. La verdad, no había visto, antes de eso, algo así. Después, lo he visto transformado. Como Night Tempo, ya no dice que está haciendo future funk, sino «sailorwave», eso se me hizo muy cool. En la continuación (Sailorwave II), realmente me quería sumergir otra vez en ese mundo, porque me había distanciado del future funk, estaba haciendo otro tipo de música, porque el Sailorwave en particular es un EP que les gustó mucho a las personas y quería regresar a eso, como un regalo.
¿Cómo es que Macross comenzó a basar su trabajo en sampleos de música japonesa, anime y videojuegos? ¿En qué momento supiste que esa fórmula iba a pegar?
Yo jamás pensé que fuera a pegar, siento que esa es de las partes más elementales del proyecto y lo que hizo que tuviera tanto éxito. Fue algo para pasar el tiempo, solamente quería divertirme y hacer cosas que fueran como la música que yo sentía; en ese momento, qué era lo que necesitaba escuchar. La inspiración del proyecto, básicamente, fue porque yo estaba escuchando vaporwave en 2013, 2014 y ni siquiera sabía que el género se llamaba así, sólo decía: «¿Qué es esta música súper lenta? ¡Eso está bien cool!». El primer productor que escuché fue Infinity Frecuencies, sus imágenes de SoundCloud eran estatuas griegas, o como sacadas de VHS, televisión japonesa y dije: «¡No sé qué diablos es esto, pero es lo que yo quiero hacer, me gusta muchísimo!».
Fue lo que me hizo pensar: «Quiero hacer algo que esté inspirado en esto», por eso, todo el amor hacia Japón lo metí en esto y el (nombre del) anime vino después, realmente sólo fui arrojando cosas conforme las iba sintiendo, decía: «Este vato está sampleando soul ochentero, pero nadie lo ha hecho con funk japonés, entonces voy a empezar a hacerlo, porque no lo he escuchado nunca». Inicié, tal cual, a buscar música ochentera japonesa y decidí hacer lo que ese vato, pero con diferente música y así fue como comencé a experimentar con varias cosas; también juego mucho videojuegos, entonces de repente escuchaba algo allí y decía: «esto está cool, porque le podría poner un beat y podría sonar más chido», y fui nada más tomando cosas que conocía, o sea, que se me iban haciendo interesantes, y así fue básicamente como se fue formando la iconografía de Macross.
Y te dio resultados: 14 mil seguidores en Twitter, 63 mil en SoundCloud, 30 mil en Facebook y más de siete millones de vistas en YouTube, ¿Esperabas, en un principio, que este proyecto llegara a ese nivel?
La verdad, jamás me esperé nada de ello, creo que era un momento en el que necesitaba hacer algo que me perteneciera realmente y sólo empecé a componer por diversión, sólo quería divertirme, hacer algo cool. No esperé llegar a donde he llegado, sigo sorprendido de las cosas que me siguen pasando, como las giras y ese tipo de cosas. Es un sueño, la verdad.
Eres de los máximos exponentes del future funk.
Es muy lindo, digo, no lo comprendo todavía, porque es el tipo de cosas que yo no siento en mi vida diaria, solamente a la hora que voy a tocar, es como: «¡oh, fuck!», es otra cosa, ¿sabes? Pero es algo muy chido que me ha pasado.
Empezaste haciendo sampleos y mezclas, ¿en qué momento decidiste hacer un live act como el que realizaste en tu presentación anterior?
Siento que para mí la música rock siempre ha sido una de mis más grandes inspiraciones. He visto conciertos. Hubo un momento en el que me clavé mucho en la música electrónica y sólo ver DJs, ir a clubes y ese tipo de cosas, y de repente vi a los Queens of the Stone Age, hace unos años y dije: «¡fuck!, estos vatos sacan unas guitarras… ¡pueden dar un show increíble!», eso no se tiene que perder y eso es lo que he querido incorporar más en la manera en que toco, que sean las cosas más en vivo y más orgánicas, porque, o sea, de eso se trata también: involucrar a las personas y dejar algo más de ti en una presentación, se me hace muy importante y de hecho, no lo he terminado de poner realmente, pero me gustaría hacer justamente algo súper en vivo, olvidar la computadora un poco y con puras cosas hardware y eso es lo que quiero hacer ahorita.
El uso del bajo te da un plus por la base del beat, y es atractivo…
Nunca he visto un show de future funk que haga eso jamás, y eso que he visto varios. Pero, por ejemplo, ahorita voy a empezar a ponerlo muchísimo más en forma, mi novia Joyce me va a ayudar también, quiero involucrarla a ella para que me ayude a hacer un live muchísimo más estructurado y sea más completo.
Por Christian Arrieta.
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